Pierluigi Billone's Harvard Lecture

Komponist zu sein bedeutet für mich, im Mittelpunkt einer Konstellation von Fragestellungen zu stehen. Meine Arbeit ist eine persönliche Antwort auf diese Fragen. Es handelt sich um sehr direkte, offene und klar formulierte Fragen. Das eigentliche Problem ist: die möglichen Antworten.

Die eher allgemeinen Fragen:
Welchen Sinn hat mein Schaffen, individuell und im sozialen und kulturellen Kontext, in dem ich lebe?
Welches ist der wirkliche Raum an Freiheit, in dem ich mich bewegen kann? Als Mensch, als Arbeiter, als Musiker?
Welche ist meine aktive und passive Rolle innerhalb der musikalischen Welt, in der ich tätig bin?
Welchen Einfluss hat die Kultur, in der ich aufgewachsen bin, auf meine Schaffensfreiheit?
Wie direkt, tiefgründig, wirklich interessiert bin ich an meinem Wissen über die Vergangenheit, die Tradition, die Moderne, das Aktuelle? Ist es ein wirklicher Dialog?
Welche Rolle spielt dieses Wissen in meiner Arbeit?
Was bedeutet für mich als Komponist Klassische Musik, Zeitgenössische Musik, Jazz, Elektronische Musik, Improvisation, Popmusik (in allen möglichen Formen), Musik jeder Art, Traditionelle Musik meines Landes und anderer Herkunft?
In welcher Beziehung stehen all diese Arten von Musik zu meiner Arbeit? Wie offen und sensibel – oder geschlossen und unflexibel – ist der menschliche und künstlerische Kontext, mit dem ich in Kontakt stehe? Was ist heute die wirkliche geographisch-kulturelle Dimension des musikalischen Wissens eines Individuums?

Die eher spezifischen Fragen:
Was ist heute Klang? Und wo ist er?
Was bedeutet das für mich: Klang und die Erfahrung von Klang?
Welche wirkliche Kultur ist es, die in mir und durch mich spricht wie eine unbekannte und unbewusste Stimme?
Welche theoretischen und/oder praktischen Kenntnisse habe ich über die Rolle der von mir verwendeten Arbeitsmittel?
In welcher realen Beziehung stehen für mich heute Klangausübung, Klangdenken und technologisch veränderte Realität?

Bis zu welchem Grad und in welchen Bewusstseinsschichten operiere ich in meinem Schaffen?

Wenn man diese Fragen ernst nimmt und sie wirklich hört, Wort für Wort, ist die Antwort nicht so offensichtlich. Sie könnte sogar unvorhersehbar sein.
Jedes Mal, wenn sich jemand entscheidet, seine Energie der Musik zu widmen, kommt er mit einer bereits definierten und funktionierenden Klangvorstellung und -kultur in Berührung. Komponist zu sein ist sicherlich ein Job und ein Beruf, aber diese Erfahrung kann auch zu einer Chance und zu einem Weg des Wissens werden. In diesem Fall ist es nicht immer möglich, zu wissen, wohin der Weg führt.

Ich frage: Was ist Klang? Etwas erscheint in der Dimension des Klangs, beginnt, als *Klang erkannt zu werden.
Nicht jede Schwingung kann *Klang sein.
Klang ist keine akustische Definition.
Ton steht immer für eine aufschlussreiche Beziehung.
Klang ist eine besondere Namensart:
Er offenbart, womit ein Mensch in Kontakt steht, worauf er für sein Gleichgewicht angewiesen ist. Es ist eine rhythmische Offenbarung, in einem sehr weiten Sinne.

*Klang wird durch eine offene Konstellation von Bedeutungen definiert: Präsenz, Kontakt, Offenbarung, Erkennen und Zugehörigkeit, Zentrum des Gleichgewichts, Notwendigkeit, Gemeinschaft (das war schon immer der Fall). Diese Bedeutungskonstellation, deren verborgener Mittelpunkt Klang ist, erneuert ihren Sinn ständig.
Sie verlagert ihr Zentrum.
Es ist eine langsame, aber konstante Veränderung und Bewegung.
Folglich verändert sich das, was als Klang und als Musik erkannt und praktiziert wird.
Oder anders ausgedrückt: Das, was unsere Aufmerksamkeit erfordert, um als Klang erkannt zu werden, ändert sich ständig. Für dieses Phänomen gibt es keine Ausnahme.

Die Akustik als Wissenschaft hat endgültige Definitionen und Kategorien geliefert, die die Realität des Schalls erklären. In diesem Sinne ist sie eine Form der Offenbarung.
Die Akustik schlägt ein mechanisches Modell des Schalls vor, mit seinen Komponenten und den Gesetzen seiner Existenz.

Einerseits hat sie eine andere Art des Umgangs mit Klang ermöglicht, oft mit Ergebnissen, die einen künstlerischen Eigenwert haben. Andererseits hat diese Sichtweise die musikalische Terminologie in einem solchen Masse verändert, beeinflusst und monopolisiert, dass nun jede andere Art des Denkens besondere Schwierigkeiten hat, ihre eigenen Kategorien zu artikulieren.
Zum Beispiel eine traditionelle Denkart, die nicht konzeptuell ist oder auf organischen, morphologischen, räumlichen, rhythmischen Unterschieden beruht, das heisst Denkarten, die offensichtlich eine mechanische Dimension aufweisen, die aber nicht mit diesen Kategorien erklärt werden können.

Wenn der Klang nach Energiemenge, Wellenform, Periodizität usw. verstanden und erklärt wird und die Qualitäten und Unterschiede nach mechanischen Kategorien gedacht und artikuliert werden, werden die grossen Familien der elementaren Unterschiede wie Fremder Klang, Verbotener Klang, Heiliger Klang, Neuer/Alter Klang gedacht und artikuliert, oder Qualitäten wie offener/geschlossener Klang, oder spezifischere Unterschiede wie Konsonanz/Dissonanz usw. All diese elementaren, tiefgreifenden Unterschiede, die tiefe Schichten des Klangerlebnisses artikulieren, sind vom Elan abgeschnitten – wie Wurzeln ohne Baum.

Die existentiellen, ethnischen und kulturellen Wurzeln der Unterschiede finden keinen direkten Weg mehr zur Sprache oder liegen in der zweitrangigen Ecke der ethnischen oder psychologischen Neugierde.
Und langsam ändert sich dadurch auch die Möglichkeit, über sie nachzudenken und sie wirken zu lassen.
Wenn wir bedenken, dass sich im Moment eine Art gemeinsamer musikalischer Gedanke praktisch in der gesamten technologischen Welt (Flugzeug und Internet, um es klar zu sagen) verbreitet, mit seiner gemeinsamen technischen Sprache, mit seinem völligen Fehlen von Wurzeln, und dass dies alles ist, was von völlig unterschiedlichen kulturellen Traditionen übrig geblieben ist, dann ist diese Angelegenheit ernster, als es auf den ersten Blick scheint. Dieses Phänomen deutet darauf hin, dass das Fehlen von Wurzeln nicht als Problem wahrgenommen wird.
Offensichtlich findet sich der Mensch, der sich nicht mehr um seine Wurzeln kümmert, endgültig im rhythmischen Nowhere der gegenwärtigen technologischen Welt wieder und lebt definitiv darin.

Betrachten wir zum Beispiel die Unterscheidung Klang/Geräusch, die keine spezifisch musikalische Unterscheidung ist.
Ihre Wurzel ist im Grunde genommen kulturell. Wenn wir sie mit ihrer akustischen Definition vergleichen, wird klar, dass wir völlig daran gehindert werden, in ihr eine Spur eines tiefen existenziellen Aktes der Ein- und Ausgrenzung zu erkennen. Eine der Folgen dieses mangelnden Erkennens wird durch ein doppelgesichtiges Phänomen bezeugt: Einerseits ist eines der störendsten Geräusche heutzutage die unaufhörliche Produktion akademischer, nicht-poetischer, sinnloser und pseudo-traditioneller Musik. Andererseits scheint es, dass die Tatsache, sich fürs Geräusch zu interessieren – oder für einen nicht-traditionellen Klang, oder jedenfalls für einen Klang, der sich nicht auf den traditionellen Typus reduzieren lässt, an sich schon ein poetischer Akt sein kann. Es ist ein Anzeichen für das Wachsen eines neuen und akademischen Konformismus des Lärms. Eine solche Unterscheidung und Trennung wie Klang/Geräusch, erinnert sich, ist verbunden, benennt und artikuliert zunächst und in einem umfassenden Sinne ein tieferes Prinzip der Inklusion/Exklusion.

*Geräusch bedeutet: was das Gleichgewicht der Identität stört. Was sich nicht in sich selbst verkörpert und nicht das erkennbare Zeichen von *Sound aufweist. Was ausserhalb der rhythmischen Klangwelt bleibt. Was von den Beziehungen ausgeschlossen ist, die *Klang definieren und identifizieren. Wir könnten auch sagen: Geräusch bedeutet, was im Zentrum der Erkenntnis/Offenbarung nicht willkommen war/nicht akzeptiert werden konnte. Oder auch: Lärm zeigt an, was das Gesetz der Ausgewogenheit einer Offenbarung gefährden könnte.

Zum Beispiel wird Geräusch vom Rang des Heiligen (was immer als heilig anerkannt wird) ausgeschlossen. Ein einfaches Beispiel: Im Europa des Früh- und Hochmittelalters erkannte die christliche Musiktradition die Schwingungen von Trompeten, Trommeln und Zimbeln nicht mehr als Klang an und schloss sie deshalb von Ritualen aus. Im gleichen Zeitraum wurden ähnliche Schwingungen von Trompeten, Trommeln und Zimbeln von der tibetischen Musiktradition als heilige Kräfte anerkannt und deshalb in Rituale einbezogen.

In diesem Fall ist die akustische Unterscheidung Klang/Geräusch mit ihrem Standpunkt völlig irrelevant, erklärt nichts, entscheidet nichts. Sie artikuliert nur eine mechanische Differenz, die zu einer mechanischen Repräsentation von Klang gehört, die eine Innenperspektive einer bereits offenen Konzeption von Klang ist: die traditionelle westliche Auffassung von Klang, deren Prinzipien (schliesslich) nichts mit Akustik zu tun haben. Was als *Klang anerkannt wird, was auch immer es ist, wird zum Zentrum, übernimmt die Rolle und Stärke eines Zentrums und installiert Hierarchien. Nun, alles andere ist *Geräusch. Aber diese beiden Pole Klang/Geräusch bleiben zwei untrennbare komplementäre Pole. Was als Zentrum gilt, wird nicht durch eine Theorie oder ein Individuum festgelegt, sondern wächst und wird durch die inneren Spannungen einer Kultur geformt. Wir könnten zum Beispiel miteinander vergleichen: Ascension 1965 von John Coltrane und De Koonig 1963 von Morton Feldman.

Lassen Sie uns nun versuchen, diese wenigen Überlegungen zum *Klang zu einigen möglichen Konsequenzen zu führen, auch wenn es wie eine Provokation erscheinen mag – ich hoffe, eine intelligente und willkommene Provokation.

Erstens: Viele theoretische und praktische Definitionen und Unterscheidungen unserer Musiktradition haben nur innerhalb der Klangkonzeption, die sie geschaffen und ermöglicht hat, eine Bedeutung. Konsonanz, Dissonanz, Tonhöhe, Akkord, Harmonie, Timbre, Intensität, Dauer, Dichte, Textur, Prozess, Struktur usw. sowie kulturelle Rollen, die als Stimme, Instrumentalist, Violinist usw. definiert sind. Ausserhalb dieser Konzeption haben sie eine andere Bedeutung, oder sie sind ohne Einfluss oder irrelevant, oder sie existieren überhaupt nicht. Sie alle setzen eine Vorstellung von Klang voraus. Es sind fast alle internen Artikulationen und Deklinationen eines bestimmten Klangkonzepts. Für Arnold Scöhnbergs Harmonielehre oder Pierre Boulez' theoretische Reflexionen in Musikdenken heute etwa ist eine Didgeridoo-Performance ein undenkbares und nicht zu entzifferndes Ereignis.

Zweitens: Klang kann überall auftreten und eine Klangwelt eröffnen, sogar mittels einer Autofeder…
*Klang läuft immer Gefahr, nicht zu erscheinen, selbst bei einer Geige oder einer Stimme. Ein Computer kann Schwingungen erzeugen, analysieren und manipulieren, aber er kann keinen *Klang denken.

Drittens: Allgemeiner ausgedrückt: Wenn der Klang im Grunde kein Objekt, sondern eine Beziehung ist, in deren Mittelpunkt eine Offenbarung steht, dann müssen wir allmählich erkennen, dass nicht nur Morton Feldman, Karlheinz Stockhausen, sondern auch Miles Davis oder Elvis Presley, Pink Floyd oder U2 einzigartige und daher kostbare Gelegenheiten zur Offenbarung des Klangs sind.
Mehr als das. Auch die Musik von Popcorn-Werbung oder Breaking-News-Spots ist eine Offenbarung, und diese Enthüllung beschäftigt mich.

Sogar Hintergrundmusik in einem Supermarkt oder im Aufzug eines Hotels weist eine Mensch-Klang-Beziehung auf, und es ist eine Offenbarung: dass Klang als notwendig für die Anwesenheit eines bestimmten Menschentyps angesehen wird.
In einem Raum wie dem Supermarkt oder dem Aufzug findet sich der Mensch integriert und in einer Art Gleichgewicht wieder, wenn er von einer Klangpräsenz begleitet und willkommengeheissen wird. Seine Aufmerksamkeit kann sich auch einem Klang zuwenden. Ohne ihn befindet sich der Mensch wahrscheinlich in direktem Kontakt mit dem unmenschlichen, stillen und verödeten Raum, den er ausserhalb und innerhalb seiner selbst geschaffen hat.
Aber im Allgemeinen ist dieser stille Kontakt mit den Dingen, insbesondere mit dem Klang der mechanischen Welt, der sich bald in einen existentiellen Dialog verwandeln kann, etwas, das man vermeiden sollte.
Die Notwendigkeit dieses Klangs, das Bedürfnis, immer von Klang begleitet, umgeben und willkommen zu sein, offenbart dann eine besondere Spannung und Distanz, die heutzutage Menschen und *Klang betrifft. Dieser Abstand wird auch durch den Schall erzeugt, und in jedem Fall offenbart und zeigt der Schall ihn. iPod, Fernseher, Computer. Jeder versteht es. Jeder ist es. Es bedarf keiner Erklärung.

Zu erkennen, dass jeder Klang auch eine Offenbarung ist, bedeutet nicht, Unterschiede und Unterscheidungen aufzugeben. Im Gegenteil, es ist notwendig zu denken, dass überall etwas Kostbares ist, das mich berührt und mich beunruhigt, etwas, das – in jedem Fall – eine aufschlussreiche Beziehung zwischen mir und ihm herstellt.
An diesem Punkt sollte ich, sofern ich eine gewisse intellektuelle Neugierde mitbringe, mich fragen: Welches Verhältnis besteht zwischen meiner Musik und der Hintergrundmusik im Supermarkt oder im Aufzug?
Eine Antwort wie: «Es gibt keine Beziehung, das ist Ambient- und Unterhaltungsmusik. Meine ist ernste Musik.» Diese Antwort ist zu einfach. Sie enthält nur einen Teil der Wahrheit.
Selbst wenn unser kulturelles Wertesystem dies rechtfertigt und unterstützt, ist die Antwort immer noch unzureichend.
Wenn ich auch nur ein wenig intellektuellen Mut hätte, wäre die Antwort eine andere.
Eine Barockmusik, die 2010 im Aufzug eines modernen Gebäudes mitschwingt, kann sich nicht mehr wehren, aber ihre Offenbarungskraft wirkt weiter.
Meine Musik und die Musik im Aufzug haben etwas Wesentliches gemeinsam: ein Schicksal.

Der Gedanke, dass es notwendig ist, im Aufzug Musik zu spielen, deutet darauf hin, dass dieser Mensch völlig taub ist, auf jeden Fall taub für *Klang. Er braucht nur eine minimale Vibration, um seine rhythmisch-räumlichen Sensoren aktiv zu halten.
Das Ding erreicht seine Wirkung, wenn es als homogene, als Musik erkennbare Schwingung wahrgenommen werden kann, ohne jeglichen Grad an Ausdruck oder Pathos, mit einem minimalen Grad an Komplexität, der keine besondere Anstrengung der Aufmerksamkeit erfordert, aber einen minimalen Teil davon ausreichend stimuliert. Das ist ausreichend. Nicht mehr als ein wenig elegantes Licht. Sieht aus wie....
Es handelt sich um ein Phänomen: Dieser Mensch ist nicht an aktivem und partizipatorischem Musikhören interessiert, sondern lebt ständig umgeben von *Klang, ja im *Klang.
Für sein existenzielles Gleichgewicht als Mensch darf die Notwendigkeit einer soliden Referenz nicht eliminiert werden.
Dieser Mensch wartet nicht länger auf irgendeine Art von Offenbarung durch Musik und Klang.
Musik und Klang sind nur noch eine besondere, aber gleichgültige Qualität der Präsenz geworden, wie ein Licht, ein Möbelstück oder eine Dekoration.
*Klang deutet in diesem Fall – was auch immer die Akustik sagen mag – auf eine ethnische Hintergrundfarbe hin. Wie ein traditioneller Teppich. Es handelt sich um neue Ethnie: der postmoderne technologische und wurzellose Mensch.

Dieses Musikereignis im Aufzug ist auch eine dringende Frage für meine Arbeit. Bin ich als Komponist durch meine Arbeit in der Lage, die Voraussetzungen dafür zu schaffen, dass sich eine wirklich andere Beziehung zum *Klang wieder einstellt?
*Klang im Sinne der eingangs erwähnten Bedeutungskonstellation:
Präsenz, Kontakt, Offenbarung, Anerkennung und Zugehörigkeit, Zentrum des Gleichgewichts, Notwendigkeit, Kommunion.
Mag sein, aber ich habe nur unsere traditionelle Auffassung von Klang, dieselbe, die Musik von Vivaldi oder Bach oder Bossa Nova (die im Aufzug mitschwingt) so akzeptiert, als ob es gleichgültig wäre, wenn nicht sogar für notwendig erachtet.

Die Antwort ist also: NEIN. Ich bin nicht in der Lage. Und es gibt viele Gründe dafür.

Es sei denn, ich akzeptiere das Risiko, unsere traditionelle Konzeption aufzugeben und den Raum so zu öffnen, dass eine neue Dimension des Klangs entstehen kann, die ich jedenfalls vorher nicht kenne. Ich weiss nur, dass es möglich ist, mit der Suche zu beginnen, in der Hoffnung, mit kleinen Schritten einen Weg zu finden, auf dem andere weiter voranschreiten können.

Lassen Sie uns nur ein paar einleitende und allgemeine Bemerkungen machen.
Es ist notwendig, uns zunächst von der Vorstellung von Klang, die wir bereits kennen, zu distanzieren.
Dann verzichte ich einfach darauf zu wissen, was Schall und damit Lärm ist, was Höhe ist, was Stimme ist, was Gesang oder was ein Fagott.
Ich warte weiterhin auf einen anderen Ausgangspunkt.

Es ist notwendig, Raum für eine gewisse Qualität der Stille zu schaffen, die nicht ein Mangel an Klangaktivität ist, sondern eine Aufhebung ihrer bekanntesten Formen. Es ist notwendig, eine Leere zu schaffen, in der ein anderer Sinn von *Klang entstehen kann, falls es einen solchen gibt. Auch wenn dies bedeutet, den Sinn der Musik, die wir kennen, umfassend zu verändern.

Wahrscheinlich, aber auf mysteriöse und rätselhafte Weise, ist es an diesem Punkt der Entwicklung der Technologie und des Systems des Lebens notwendig, ein Messer zu nehmen und zu schneiden.

Heutzutage sind die Grenzen unseres Körpers in den tausend Formen der technologischen Zerstreuung zusammengebrochen und verwirrt.
*Klang sollte erneut versuchen, einen neuen Raum im Inneren des Menschen zu öffnen, einen freien Raum, der von jedem möglichen «Kabel» abgetrennt ist.
Wahrscheinlich wäre es nur von dieser erneuerten inneren Unabhängigkeit aus möglich, die «Enteignung» unseres Körpers (unsere rhythmische und zeitliche Enteignung) zu beobachten.

Nur wenn der Körper den Klang ausgehend von sich selbst als Quelle «graviert» und «schreibt», wird der Klang wahrscheinlich eine Offenbarung derselben Art zurückgeben.
Wenn der Körper innerhalb seiner üblichen kulturellen Grenzen zirkuliert, wird er diese nur reproduzieren.
Aus einer anderen Perspektive, die üblichen kulturellen Grenzen eines klingenden Körpers könnten keinen wirklichen Grund mehr haben, zu existieren. Sie könnten und sollten überwunden werden.

Wenn ich das Gesicht meiner Mutter auf einem Foto betrachte, kann ich dieses Bild immer noch von meiner echten Mutter unterscheiden.
Wir sollten aufhören, unkritisch zu glauben, dass sich auf einer CD Klang ereignet. In gewissem Sinne wissen wir das doch, aber wir ziehen es vor, nicht daran zu denken. Diese Form der Existenz, die durch die Technologie ermöglicht wird, kann die direkte Erfahrung des Klangs nicht ersetzen, die darin besteht, Kontakt und Gemeinschaft zu haben, daran teilzunehmen, ein Teil davon zu sein. Es ist möglich, sich eine Art volle Existenz des Klangs vorzustellen und zu garantieren, wo er im Falle einer mechanischen Reduktion und Wiedergabe verschwindet.

Ein Körper, der diese ganze Sorge, dem Klang einen möglichen Platz einzuräumen, direkt auf sich nimmt, er wird zu einer Art «Wächter» dieser Möglichkeit, er wird selbst zum Instrument.

In diesem Fall muss ein neuer Sinn für Beziehung, für den Kontakt mit dem Material und für die Möglichkeit, Formen und Gesten zu schaffen, über die Grenzen hinaus offen sein, die wir aus der Tradition gelernt haben.
Es ist die geheime Aufgabe, die uns die Tradition selbst anvertraut.
Wenn die Früchte dieser Arbeit nicht vollständig als Musik anerkannt werden, darf es als Zeichen verstanden werden, dass man zumindest nicht auf dem falschen Weg ist...

Pierluigi Billone, Harvard 2010
Vom Komponisten autorisierte Übersetzung aus dem Italienischen: Johannes Knapp

Covid-19 Info

Unser nächstes Konzert findet am 25. Juni 2021 um 20 Uhr Uhr in der IDAGIO Global Concert Hall statt. Auf dem Programm stehen Werke von Agata Zubel, Georges Enescu, Dmitri Kourliandski und Oscar Bianchi. Die musikalische Leitung übernimmt Tito Ceccherini.

Wir freuen uns, Sie in der kommenden Saison wieder im Konzertsaal begrüssen zu dürfen und wünschen Ihnen bis dahin viel Kraft und Zuversicht! Bleiben Sie gesund!

Ihr Collegium Novum Zürich

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